Ciudadano Kane

es una película dirigida, escrita, producida y protagonizada por el estadounidense Orson Welles, considerada como una de las obras maestras de la historia del cine.

al ser una película en blanco y negro el director juega constantemente con las luces y las sombras para resaltar a los personajes o las formas.

En esta película se ha utilizado un sistema narrativo que antes era poco utilizado, el flashback. Toda la película está contada en flashback, ya que al principio muere Kane y después cada una de las personas que han pasado por su vida recuerda alguna etapa de ella. Muchas de las películas que vemos en el cine actual utilizan esta técnica.

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Lectura de imágenes: objetiva y subjetiva

–  Tamaño y formato: Su formato es vertical y largo este formato es habitual para este tipo de imágenes publicitarias.

– Nivel de iconicidad: ha utilizado el nivel de iconocidad 8, ya que utiliza la fotografía en color, para conseguir altos niveles de iconocidad

– Simplicidad/conmplejidad: En mi opinión la imagen es compleja porque la gente puede dar distintas interpretaciones

Objetos,personas y acontecimientos.: En la imagen hay dos personas  un hombre y una mujer  objetos :la cuchilla de afeitar y la espuma de afeitar; y acontecimientos, el hombre está afeitándose y la mujer trata de seducir al hombre.

Puntos, líneas y formas.: Los puntos de fuerza de la imagen coinciden con los rostros de los protagonistas y la confluencia de sus brazos y manos. El peso visual de ambas figuras se incrementa por el predominio de sus tonos cálidos, enmarcados y realzados a su vez por el fondo oscuro. Desde el eslogan se inicia un recorrido visual siguiendo el eje de interés: mirada de él – rostro de ella – torso – glúteos – texto inferior.

– La textura: Da mas importancia al hombre que resalta más también resalta el anuncio

– La luz : La luz es artificial ya que proviene del cuarto de baño y la luz es lateral debido a que resalta al hombre y a la mujer

– El color.:Juega con los cálidos y fríos. Los colores fríos representarían el lado formal del anuncio, es decir lo que realmente se anuncia, que es la espuma de afeitar. . Los colores cálidos muestra la posible interpretación del anuncio, la mujer intentando seducir al hombre. Los colores cálidos también están en armonía ya que la pared del fondo está en relación con el color de la piel de ambos, que es un poco rojiza.

El encuadre: La imagen es un plano medio que corta al hombre y a la mujer por encima de las rodillas y que muestra con claridad la expresión de las caras. Está tomada con un ángulo normal, tomada a la altura de la cara y con un objetivo normal que reproduce los objetos en una proporción similar a nuestra vista.

La composición: En la composición se ha utilizado un plano americano con ángulo horizontal, el ángulo más natural.

Texto y grafismos: El texto en la imagen tiene mucha importancia ya que sirve para promocionar el producto. El texto se encuentra por toda la composición dentro y fuera de la fotografía principal como parte de los objetos de dentro y fuera. La marca del producto, significativamente un nombre de mujer.

4.- Texto y grafismos.:El texto nos proporciona información sobre el anuncio se encuentra dentro de la fotografía, se repite 6 veces en distintos formatos. El texto cumple la función de anclaje y tambien juega con la ambigüedad de algunas palabras.

LECTURA SUBJETIVA: Esta imagen juega con el doble sentido de las palabras, ya que la imagen se puede interpretar de varias maneras según el texto. Es una imagen totalmente machista dirigida a los hombres y que pretende mostrar que la espuma es la mejor que hay no solo para afeitarse si no también para atraer a las mujeres. Para tratar de persuadir a los compradores de este, para hacerlo más atractivo y para darle como un plus de calidad, utiliza los dobles sentidos tanto en la imagen como con las palabras.

 

 

 

El cine en los años 30

En la década de los años 30 en el cine nos dejo películas conmovedoras y muy buenas que son: , Frankenstein ,King Kong y Lo Que el Viento se Llevo,voy a hablar un poco sobre ellas :

Frankenstein: El personaje descrito por Mery Selly en su famosa novela estaba más cerca de Jekill y Hyde que el de la versiòn cinematográfica de Boris Karloff, más desvinculado de su creador, escapa totalmente a su control; pero sòlo se convierte en monstruo despuès de tropezarse con la hostilidad e incomprensiòn de los seres humanos. Existe un confusiòn en el nombre ya que Frankenstein es el nombre del cièntifico que le da vida cosiendo trozos de cadàveres, que resucitan mediante descargas eléctricas, hay por tanto cierta retorica en el monstruo de Frankenstein, como hemos dicho, nos acerca más al relato de Stevenson. Fue el mayor éxito de la Universal que consiguió reputación gracias a sus películas de terror cuyo uso dramático de luces y sombras, decorados tenebrosos y maquillaje exagerado había sido aprendido del expresionismo del cine mudo alemàn, resaltando los movimientos y gestos más atormentados, que tambièn podemos observar en sus secuelas como “La novia de Frankenstein”.

King Kong: Tal vez sea por el blanco y negro pero la primera versión sigue siendo la mejor de todas, ni Jessica Lange y los brazos mecánicos a escala de los 70, ni los efectos digitales de la primera dècada del siglo XXI han sido capaces de superarla. King-Kong es el mayor mito creado por el cine aunque basado en el arquetipo de la Bella y la Bestia, se nota la influencia del cine mudo, pero con la partitura de Max Steiner, todo ello contribuye al misterio de la isla remota donde una actriz de cine es raptada por los nativos, que necesitan una mujer hermosa para aplacar a su dios, Kong: un enorme simio que devora a sus víctimas (el simbolismo no puede ser màs sugerente). Dirigida por Ernest B Schoedsack y Merian C.

Lo que el viento se llevó :es una de las películas más famosas de la historia del cine. Basada en la novela del mismo título de Margaret Mitchell (ganadora de un Premio Pulitzer), su rodaje, que duró 125 días, supuso cambios importantes en la técnica cinematográfica. En el momento de su estreno fue la película más cara y larga que se había rodado.

El cine en los años 20

Con los Felices Años 20, en América se inicia un modelo de vida que se exportará a todo el mundo. El “american way of life” sedujo a los europeos aumentando el consumo individual de bienes e impulsó la publicidad. Los espectáculos de masa (cine, deportes, cabarets, teatro se hicieron más presentes y cobraron fuerza. Los años 20 fueron los años del cine mudo; Rodolfo Valentino y Douglas Fairbanks crearon los primeros arquetipos cinematográficos del héroe romántico. Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, Stan Laurel y Oliver Hardy produjeron obras maestras del cine cómico. Después, en 1927 llegó el cine sonoro, un éxito social rotundo. Durante esos años, Ub Iwerks y Walt Disney crean a uno de los más importantes dibujos animados, el célebre ratón Mickey. Eran los primeros pasos que en los años venideros cambiarían el rumbo del cine de animación con nuevas técnicas y perspectivas

Charlie Chaplin. Los chistes visuales de que se componían las comedias de Sennett eran acentuados por un grupo de actores; uno de ellos se convirtió en el cómico más importante del mundo. Charles Chaplin comenzó en la pantalla en 1914. Trabajó primero con Sennett y después en una de las primeras comedias largas con Mabel Normand y Marie Dressler, El Romance Deshecho de Tillie. Entre 1915 y 1918 se dirigió a sí mismo en una serie de comedias cortas que se han convertido en clásicos: La CuraLa Pista de PatinajeEl InmigranteCalle Fácil. La apariencia directa de Chaplin en la pantalla no nos debería cegar de la grandeza en el arte del cine que hizo posible. La diversión, sin piedad al principio, se suavizó mucho. Gradualmente la truculenta figura se convirtió en valiente pero patética; la audiencia todavía se reía, pero con lágrimas en los ojos. Chaplin trajo la humanidad a la comedia

El origen del cine

El cine, es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo. La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las películas. Etimológicamente, la palabra cinematografía fue un neologismo creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas. Con ello se intentaba definir el concepto de “imagen en movimiento”

Los hermanos  Lumière


Los hermanos Lumière son considerados históricamente como los padres del cine. Inventaron el cinematógrafo (considerado el primer aparato de cine) basados en el kinetoscopio de Tomas A. Edison. Ellos fueron los primeros en dar propiamente una función de cine el 28 de diciembre de 1895.

Fueron ellos los que con sus filmaciones de escenas de la vida cotidiana realizaron los primeros intentos de crear un lenguaje narrativo en el cine. Sus primeras películas eras cuasi documentales de la época y además de mostrar aspectos de la sociedad parisina de fines del siglo XIX y principios del XX, resultan importantes ya que objetos comunes y escenas cotidianas pasaron a convertirse en objetos de espectacularización. Así, se comenzó a darle al cine una característica de verosimilitud más grande que la fotografía.

 

David Wark Griffith: fue un directorcinematográfico estadounidense y considerado el creador del modelo americano de representación cinematográfica , por lo que fue llamado «El padre del cine moderno».

Sus innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte: En sus obras maestras “El nacimiento de una nación” (1914) e “Intolerancia” (1915), dividía el film en secuencias, mostraba acciones en paralelo, cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el flash-back o narración de un hecho ya pasado. Pero, sobre todo, Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más importante con que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El acorazado Potemkin, es una película muda de 1925 dirigida por el cineasta ruso Sergéi Eisenstein. Se la considera una de las mejores películas de la historia cinematográfica. El acorazado Potemkin es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

Ficha Técnica de cimena paradiso

Título: Cinema Paradiso

Título original: Nuovo cinema Paradiso

Dirección: Giuseppe Tornatore

País: Francia, Italia

Año: 1988

Duración: 155 min.

Género: Drama, Romance, Comedia

Calificación: Apta para todos los públicos

Reparto: Antonella Attili, Enzo Cannavale, Isa Danieli, Leo Gullotta, Marco Leonardi, Pupella Maggio, Agnese Nano, Leopoldo Trieste, Salvatore Cascio, Tano Cimarosa, Nicola Di Pinto, Roberta Lena, Nino Terzo, Jacques Perrin, Philippe Noiret, Brigitte Fossey, Nellina Laganà, Turi Giuffrida, Mariella Lo Giudice, Giorgio Libassi, Beatrice Palme, Ignazio Pappalardo, Angela Leontini, Mimmo Mignemi, Margherita Mignemi, Giuseppe Pellegrino, Turi Killer, Angelo Tosto, Concetta Borpagano, Franco Catalano

Guión: Giuseppe Tornatore

Distribuidora: No disponible

Productora: Les Films Ariane, Radiotelevisione Italiana, TF1 Films Production, Cristaldifilm, Forum Picture

 

Animación: Massimiliano Cerchi

Departamento artístico: Alberto Michettoni, Benito Leonardi, Cinzia Milani, Fabio Bonzi, Marcello Molfo, Marco Maggi, Marina Zalapi, Oreste Quercioli, Porfirio Perrone, Raffaele Pantaleo

Departamento editorial: Giancarlo Mammetti, Ida Cruciani, Luca Montanari, Stefano Quaglia

Departamento musical: Andrea Morricone, Enrico DeMelis, Franco Tamponi, John M. Davis

Dirección: Giuseppe Tornatore

Diseño de producción: Andrea Crisanti

Efectos especiales: Danilo Bollettini, Giovanni Corridori

Fotografía: Blasco Giurato

Guión: Giuseppe Tornatore

Guionista colaborador: Vanna Paoli

Historia original: Giuseppe Tornatore

Maquillaje: Laura Borselli, Maurizio Trani, Paolo Borselli

Montaje: Mario Morra

Música: Ennio Morricone

Productor delegado: RAI: Gabriella Carosio

Sonido: Alberto Doni, Annia Bargagli, Franco Finetti, Giulio Viggiani, Luciano Anzellotti, Massimo Loffredi, Stefano Nissolino

Vestuario: Amedeo Monti Beatrice Bordone Jacopo Bellini, Luigi Bonanno

 

 

 

Preguntas:

¿Por qué la sala de cine se llama Paradiso?

Recibe este nombre debido a que cuando empezaron   a emitir en el cine las peliculas en las que aparecian escenas de besos. O por otra parte el nombre podría se porque el cine era la única distracción que tenía la gente del pueblo era su paraíso allí se olvidarían de todo serviría para desconectar de la vida cotidiana.

-Que periodo temporal abarca la película: contexto histórico, social…similitudes con España.

Es una película que se desarrolla en Italia durante el periodo de la postguerra

Hay muchos factores correspondientes al contexto histórico y social que se expresan indirectamente, como la guerra, los castigos corporales en la escuela, la discriminación post-guerra a quienes apoyaban distintas ideas políticas, pobreza, censura eclesiástica.

-Valoración de los actores

En mi opinón los actores hacen bien su papel.  Es igual que la gente de esa época , me gustó que Totó salió adelante y obedeció a Alfredo sobre que no volviera y que quería oir hablar de él.

 

-Valoración de la banda sonora

La banda sonora es genial. Se adapta a los momentos de felicidad,tristeza y hace que la película tenga más calidad.

-Generación de “los besos robados

aparece al final de la película es lo que le había dejado Alfredo a Totó

-Similitudes con ciudadano kane:

En esta película también el protagonista esta enamorado y no quiere perder a su chica por nada del mundo

Imagen

Tema libre:

 

Retrato:


 

 

El objetivo

La óptica: Un objetivo es un tubo que dirige el haz de la luz hacia la cámara fotográfica. Contiene lentes, que pueden ser de cristal o de plástico y puede ser un objetivo fijo o intercambiable. Hay tres tipos de objetivos:

– Objetivo normal: Reproduce los objetos en una proporción similar a la de nuestra vista. Abarca unos 50 grados. Se utiliza en plano general y plano medio.

– Objetivo gran angular: Abarca un ángulo aproximado de 60 grados. Su ángulo de visión es mayor al de la visión humana. Se utiliza para grandes planos generales y en imágenes panorámicas.

– Teleobjetivo: Se da con gran variedad de angulaciones. Permite cerrar el encuadre centrándose en partes muy concretas de un motivo general y dando poca profundidad de campo. Se utiliza para realizar fotografías de deportes, competiciones y otras actividades al aire libre.

Imágenes con gran angular:

Con desenfoque

Con diferente profundidad:

Imágenes con diferente velocidad de obturación:

El encuadre

Se llama encuadre a la selección de la realidad que realiza el fotógrafo o el operador de cámara y se recoge dentro de la imagen

Escala : Es la relación entra la superficie ocupada por la imagen de un objeto y la superficie total del encuadre. Está determinada por el tamaño del objeto, la distancia entre este y la cámara y la óptica. El plano es cada una de las posibilidades en que se puede plasmar la escala del encuadre.
Plano general:

Presenta el escenario donde se desarrolla la acción. La figura humana no se percibe. Lo importante es el escenario.

Plano medio:

Corta a las personas por la cintura. Muestra más expresión en los personajes

Plano corto:

 

La angulación: Además del plano, una imagen puede variar según los diferentes puntos de vista que adoptaría una hipotética cámara colocada en distintas posiciones sobre los personajes y los objetos. A este recurso icónico lo llamamos angulacion. Existen tres tipos de angulación fundamentales:
ángulo normal
Es cuando la imagen es realizada desde el mismo nivel que del objetivo
angulo picado

Aquí la imagen es realizada desde arriba. Cuando se utilice sobre personas puede connotar en algunos casos poca importancia, debilidad o humillación

 

Angulo contrapicado : Aquí la imagen es realizada  desde abajo. Puede en algunos casos connotar enaltecimiento, importancia o poder.

Funciones expresivas del color

Como elemento fundamental y básico en el mundo de la imagen, y aparte de sus propiedades objetivas del color posee otras cualidades de tipo connotativo que despierten en el espectador sensaciones de tipo psicológico que responden a criterios emocionales, expresivos y simbólicos.

Colores cálidos:
Los colores cálidos dan sensación de actividad, de alegría, de dinamismo, de confianza y amistad. Estos colores son el amarillo, el rojo, el naranja y la púrpura en menor medida.

Colores frios : Los colores fríos dan sensación de tranquilidad, de seriedad, de distanciamiento. Colores de este tipo son el azul, el verde, el azul verdoso, el violeta, cian, aqua, y a veces el celeste. Un color azul acuoso es perfecto para representar superficies metálicas. Verdes oscuros saturados expresan profundidad.

Anuncios con colores cálidos y frios

En este anuncio juega con los dos utiliza el cálido para darle más importancia y sensación de confianza alegría en cambio el fondo es oscuro ya que quiere destacar al coche

Esta foto también juega con colores cálidos

En esta imagen utiliza colores fríos y nos da sensación de seriedad.

-Armonía o contraste

Un conjunto de tonalidades cercanas entre si en el circulo cromático provoca equlibrio gradación , progresión, discreción y armonía.
Un conjunto de tonos alejados entre si en el círculo cromátoco provoca contraste si bien éste también depende del contraste de valores de luminosidad o saturación.

La simbología del color responde a la cultura de cada contexto.

Por ejemplo mientras que en nuestra sociedad occidental asociamos el negro a la muerte en China es el blanco el que porta esta simbología.

Imagenes:

 

 

 

Simbolismo del color

  • Rojo: apura el pulso, y parece avanzar. Simboliza el excitación, violencia, sexualidad y calor.
  • Azul: quita el apetito más que cualquier otro color. Se relaciona con tranquilidad, la tristeza y el frío.
  • Amarillo: ayuda a la concentración, apura el metabolismo y, a veces, irrita los ojos. Significa cobardía, optimismo y luminosidad.
  • Verde: un color más fácil para ver por el ojo. Simboliza la esperanza, la naturaleza, la envidia y la juventud.
  • Negro: relacionado con lo muerto, la tristeza y lo desconocido.
  • Blanco: significa la inocencia, la pureza, la novedad